成为一名职业的音乐制作人需要经历什么?

感谢音乐人网的邀请，很多时候我们用音乐表达、交流、“听音识人”。这次则和大家分享一些我的经验，心得，体会。

 

积累的力量

 

以上成果不是一蹴而就。尽管天分很重要，但能力的提高主要是靠漫长的积累。每一首背后都是一场头脑风暴，借由以往的经验或新的尝试，反复雕琢，且常常与孤独作伴。

很多人工作、学习中，都急于看到结果。学习一点管弦配器法就想着编出汉斯季默，威廉姆斯式的交响乐，刚上手合成器就想做出酷炫的电音，写出首歌就想马上就火…若达不到，则从入门到放弃。

其实大部分时间，我们要忍受自己修行尚浅、默默无闻、作品得不到认可、瓶颈无法突破的状态，并且是常态。当积累慢慢增多，量变总会到质变。千万要戒除浮躁，踏实提高自己。不要陷入越是急于求成，就越是浮躁。越是浮躁就越对现状不满的漩涡中。一些具体事项比如：

1，键盘水平需要长时间练习、提高。键盘水平很大程度决定你的编曲速度，能一遍过就不需要两遍。

2，对音色的敏感度需要长时间培养。什么才是好的音色？有没有被混音师吐槽音色烂，频率不对？记得曾经花一下午时间，就为挑一个满意的地鼓。为了得到某个有特色的音色，常常每套音源每个音色挨个听，并思考、做笔记。这个音色可以怎么用，用在哪里，怎么快速的找到它…

3，和声进行的感觉需要长期培养。我们书上，理论上能学到和声怎么连接是对的，科学的，但不见得是酷的。想让简单的和声连接变得复杂，更多色彩，就需要多听，多感受别人用的“毫无规律”的和声。从听感上去掌握。

4，其他大家可以举一反三。钢琴、弦乐的编写，合成器的调制，节奏组的搭配，衔接，过度的处理…都可以经过长时间实战积累总结出自己的方法，得到提升。

 

是否热爱

 

我从入行至今已有10年（大学二年级开始），这十年可以说是一刻也未停歇，特别是近两年，除了日常案子，还开始任教于北京现代音乐学院，创建公司，更加没有休息时间。当然不是谁逼我这么做，而是完全的内在驱动。原因就是——比起出去吃喝玩，体验“人生乐趣”，我认为把情感从音乐里表达出来，踏实做好每一首作品，与听众产生共鸣是更有意思的体验。

别人常说我努力，仅一笑过之，因为我知道，对你热爱的东西是谈不上“努力”的。所以后来看到一句话特别赞同：“需要努力才能去做的事情十有八九不会成功”。如果你真的热爱一样东西，你会有内在驱动促使你去做到，并不需要“太费力气”。所以前面说的放慢脚步踏实学习提高这个过程，也并不是需要刻意坚持或需要意志力才能完成的事情。热爱，就不会觉得这个过程痛苦。所以，如果有人觉得这个过程枯燥无味，可以试着把它赋予意义。比如遇到不熟悉、不擅长的风格、要求，就自然想要逃避困难。但你想想逃避的结果是什么呢？以后若再遇到同样风格，同样问题依然是得不到解决。而现在咬牙迎难而上，将其解决，对于往后不就更有把握吗？

 

融会贯通

 

现代意义的流行音乐就是很多种风格的大融合。你会听到Bossa里面用到却是808电鼓、摇滚音乐里用了大量合成器、交响乐里有电子音色穿插、电子舞曲里却有弦乐组…所谓融汇贯通，就是把各种音乐类型、风格都掌握并加以融合应用。作为职业音乐人，应该要将其掌握，这样做有几个好处：

1.你的活跃范围会变宽，自然能接的案子也更宽。

2. 改编。也就是把原本某首歌从编曲上改编成另一种风格，常见于各大音乐类节目。掌握不同风格便能在“改编大国”更加得心应手，把Folk改House，把民歌改摇滚…你懂的。

3. 创造出独树一帜、带有个人特色，甚至新的曲风。在新歌发行数量爆炸的时代，拥有自己的辨识度。显然，掌握多风格是有好处的，但一些专精于某风格，把其上升到一定高度的制作人也令人佩服。在需要特定风格音乐时候，大家就会想到他。所以我的建议是专精于一两种风格，其他并行掌握，并行掌握不等于马马虎虎。